Rss | Cultura | teleSUR http://www.telesurtv.net teleSUR - Cultura <![CDATA[Fallece la poetisa cubana Fina García-Marruz]]> http://www.telesurtv.net/news/muerte-poetisa-cubana-fina-garcia-marruz-habana-20220628-0014.html El Ministerio de Cultura de la isla lamentó la muerte de “una de las más altas voces de la poesía hispanoamericana”.

]]>
28.06.22 Tue, 28 Jun 2022 09:49:00 La poetisa cubana Fina García-Marruz falleció este lunes en La Habana a los 99 años de edad tras haber dejado a la cultura internacional un valioso legado poético, ensayístico e investigativo en la crítica literaria.

LEA TAMBIÉN:

Conoce las ideas de la revolucionaria cubana Vilma Espín

El Ministerio de Cultura de la isla señaló que "nuestra querida Fina García-Marruz” constituía “una de las más altas voces de la poesía hispanoamericana” mientras apuntó que la cultura cubana se viste de luto.

Por su parte, el presidente de Cuba, Miguel Díaz-Canel Bermúdez transmitió las sentidas condolencias a la familia Vitier García-Marruz “por la extraordinaria vida que cesa”.

En este sentido, el mandatario agradeció a Fina “que nos permitió oír el silencio, la martiana compañera del martiano poeta, la vibrante voz de Cuba en Hispanoamérica”.

Por otro lado, el presidente de Casa de las Américas, Abel Prieto, lamentó la pérdida de quien fuera “seguidora devota de Martí, de Cristo y de Lezama, cantó como nadie al Che y a Haydee Santamaría”.

La poetisa antillana fue merecedora del Premio Nacional de Literatura en 1990, el Premio de Poesía Iberoamericana Pablo Neruda en el 2007, Premio Reina Sofía de Poesía Iberoamericana en el 2011 y el Premio Internacional de Poesía Ciudad de Granada Federico García Lorca en ese mismo año.

La también Profesora emérita de la Universidad de La Habana y Doctora Honoris Causa en Ciencias Filológicas de la Universidad Central de las Villas Marta Abreu integró el prestigioso grupo Orígenes encabezado por Lezama Lima entre los años 1944 y 1956.

Entre las obras más notables de la excelsa autora traducida a múltiples idiomas se encuentran Poemas (1942), Transfiguración de Jesús en el Monte (1947), Las miradas perdidas (1951), Visitaciones (1970), Poesías Escogidas (1984) y Créditos de Charlot (1990).

]]>
<![CDATA[Benedetti y el ritmo interno de la poesía]]> http://www.telesurtv.net/telesuragenda/Benedetti-y-el-ritmo-interno-de-la-poesia-20220619-0006.html Si algún poeta del Sur de América está vinculado a la música ese es Mario Benedetti.

]]>
19.06.22 Sun, 19 Jun 2022 06:40:00 Lo de la música y la poesía es una relación con antigüedad y jerarquía, como la de los juglares, o los griots que preservaban con cantos la memoria de sus pueblos, la tradición oral, el archivo memorioso de los suyos.

Con el tiempo la música y la literatura tomaron rumbos diferentes y asumieron características particulares. Más he acá que la música, en estos tiempos ha vuelto a darse la mano con la poesía en una suerte de rescate que vigoriza y multiplica la belleza ante un auditorio de rango mundial que disfruta, tanto en auditorios como virtualmente. La lista de poetas llevados a la música se inscribe en el sentimiento y el arte del ser humano. 

Algunos ejemplos

 

El Poeta Nacional de Cuba, Nicolás Guillén,  vio siempre con buenos ojos, y escuchó a placer sus poemas interpretados por cantores cubanos y de todo el mundo. Tenía que ser así si Guillén debe su mejor obra al Son Montuno, y a Miguel Matamoros, según él mismo confesó. Sus poemas Canción (De que callada manera), Guitarra (Y en esa guitarra toca mi son entero), La muralla (tráiganme todas las manos), Me matan si no trabajo (y si trabajo me matan) hacen ejemplo de la musicalidad de su obra, de su vigor.

La Muralla

 

 

 

De igual manera  nos encontramos en el chileno Pablo Neruda con musicalizaciones como Poema 20, Farewell y Antigua América, por citar tres.

No quedó atrás César Vallejo con poemas vueltos canciones, como Me moriré en París y España, aparta de mi este cáliz.

Andrés Eloy Blanco, el bardo oriental venezolano, con su poema  Píntame angelitos negros se  hizo uno con cantores y músicos de todo el mundo, al igual que su tema La Flor de Apamate, entre otros.

Del también poeta venezolano Aquiles Nazoa  se apropiaron músicos y cantores, para enaltecerlo. A la una (la luna, a las dos el reloj), El loco Juan Carabina, Guillermina, Bolívar en un libro de lectura y el Polo doliente son apenas una muestra de poemas de Aquiles llevados al pentagrama.

Bolívar en un libro de lectura

 

 

De Rubén Darío encontramos musicalizada su Canción de otoño, y de Gabriela Mistral encontramos La lluvia lenta, y La tierra y la mujer.

De igual manera no cuesta rememorar a Rafael Alberti y La Paloma (se equivocaba/ se equivocaba...), o La Nana de la cigüeña.

¿Que decir de José Martí? Crin Hirsuta, la niña de Guatemala, Si ves un monte de espuma, Versos sencillos...

Por eso Alí Primera los englobó en su eterno canto “Cuando nombro la poesía” porque es la manera de nombrar al ser humano en su relación con la ternura.

 

 

 

Benedetti

 

Si algún poeta del Sur de América está vinculado a la música ese es Mario Benedetti. 

El destacado músico uruguayo Rubén Rada lo dijo: “Me siento feliz porque en cualquier parte del mundo donde voy, Benedetti está protegido”. 

El músico argentino Víctor Heredia contó: “Cuando nos sentíamos un poco desorientados, buceábamos en maestros como Benedetti, o como Pablo Neruda... Fueron talentos que, de un modo u otro se fueron transformando en nuestros amigos”.

Jairo, también de Argentina decía: "Pocos poetas han sido tan cantados como Benedetti. Algunos poetas no quieren que musicalicen sus poemas, pero él tenía una relación natural con los músicos".

 

Joan Manuel Serrat por su parte lo definió como un hombre en el mejor sentido de la palabra y Daniel Viglietti, otro uruguayo de excepción, cuando conoció la noticia de la partida física del poeta dijo: "hay que ser un poco alquimista y transformar la tristeza en divulgación”.

Mario Benedetti, como Alfredo Zitarrosa, hace parte importante en la cadena uruguaya de eslabones canciones, eslabones poemas que marcan la verticalidad de unas letras sin permiso legal de instalación. Sabían ellos, como muchos, que no siempre lo legal es lo correcto. Hay legalidades impuras (prisión para un poeta en dictadura, según sus normas, por ejemplo) e ilegalidades puras como fueron las canciones y poemas prohibidos que, como dice la cantora Teresa Parodi viajan sin pasaporte porque para ellos no hay fronteras.

Tal vez muchos de la generación latinoamericana de los sesenta no se encontraron con Mario Benedetti a través de la poesía, de esa poesía que comenzaba a surgir con un guiño diferente, pero millones se encontraron con él a través de la canción porque sin pedir permiso la música y los cantores se apropiaron de Benedetti, como de los poetas ya citados.

Sin embargo, en esos albores fue terrible encontrar una canción poema como “Hombre preso que mira a su hijo” que fue algo así como decir la verdad a millones de hijos, de niños y niñas con la orfandad y el desamparo escondidos en la mentira y el silencio del oprobio gubernamental con signo de dictadura o ‘democracia representativa’.

 

 

Fue así como  una generación se tropezó con Benedetti en la canción, y el encuentro fue duro y marcador, auspiciado por la voz militante de Pablo Milanés. Es imposible evitar el erizamiento cuando volvemos sobre ese texto musicalizado: “una cosa es morirse de dolor y otra cosas morirse de vergüenza. Por eso ahora me podés preguntar/ y sobre todo puedo yo responder. Uno no siempre hace lo que quiere/ pero tiene el derecho de no hacer lo que no quiere…/ llorá nomás botija/ son macanas que los hombres no lloran. Aquí lloramos todos, gritamos, berreamos, moqueamos, chillamos, maldecimos/ porque es mejor llorar que traicionar. Porque es mejor llorar que traicionarse. Llorá… pero no olvides”. 

Ese texto empalmó con la frase de Aquiles Nazoa “Es mejor morir de hambre que de vergüenza” y se empalmó también con Alí Primera cuando en Canción para acordarme sentenciaba “No vendas tu canto, que si lo vendes te vendes, que si lo vendes me vendes”. 

Pablo Milanés habló de Benedetti:  “Recuerdo perfectamente cuando le conocí en Cuba, en Casa de las Américas. Entonces sí que nos veíamos todos los días. Era el inicio de la Nueva Trova y él seguía nuestros pasos con curiosidad y pasión. No solo eso: la primera gran entrevista que me hicieron sobre mi trabajo ¡me la hizo precisamente Benedetti!”

“Siempre he pensado que los poemas de Benedetti son música pura. De hecho, en cierta ocasión me confesó que era un músico frustrado. Que le habría gustado hacer canciones en vez de escribir libros o poemas. De ahí que sus versos tengan ritmo interno. Tengan tanta musicalidad. Del vasto poemario de Benedetti, yo elegí precisamente el más difícil. En realidad, es casi una prosa: Hombre preso que mira a su hijo. Y a él, todo hay que decirlo, le extrañó mucho cuando le expliqué mi intención, aunque luego le gustó el resultado. Hace poco le propuse cantar otro de sus poemas, pero la muerte se adelantó”.

Una vez Benedetti le dijo a Luz, su compañera: “Sigue llenando este minuto/ de razones para respirar”. Está incluida en Yo no te pido, tema atribuido a Milanés.

Y se queda uno pensando también en Joaquín Sabina y Viceversa, nombre del grupo que le acompañó en una etapa, siendo también el título de un poema de Benedetti: “o sea/ resumiendo/ estoy jodido y radiante/ Quizá más lo primero que lo segundo/ y también viceversa.”. Benedetti es el autor del prólogo del libro “Ciento volando de catorce” de Joaquín Sabina. En ese prólogo Benedetti acude a Galeano para señalar que hoy buena parte de los mejores poetas de América Latina vuelcan su obra a través de la canción; por ejemplo, Chico Buarque en Brasil. Los modernos trovadores han cubierto el espacio robado al poemario y, si se vuelve a considerar el carácter eminentemente oral de la poesía, se constituyeron en una vieja/nueva forma del poeta.

La musicalidad Benedettiana

 

Con su sabor de respuesta impredecible Benedetti salió a declarar a Dios mal músico cuando del bandoneón se trataba. 

“Me jode confesarlo/ pero la vida es también un bandoneón. Hay quien sostiene que lo toca dios/ pero yo estoy seguro que es Troilo/ ya que dios apenas toca el arpa/ y mal”. 

Escribió “Versos para cantar”, y también “Canciones del que no canta” cantando en ellas.  Y los Versos para cantar, y otros, fueron cantados. Nacha Guevara, Daniel Viglietti, Los Olimareños, Numa Moraes, Gianfranco Pagliaro, Soledad Bravo, Carlos Fasano, Juan Carlos Baglietto, Víctor Manuel, Joaquín Sabina, Joan Manuel Serrat, Adriana Varela, Jairo, Pablo Milanés, Tania Libertad y hasta Willie Colón y Elena Gil están entre quienes  cantaron y cantan versos de Benedetti  a partir  de Numa Moraes quien en 1970 musicalizó “Cielo de 69”. Fue esa la década en la que escuchamos Hombre preso que mira a su hijo, Seré curioso, conocida  como ¿De qué se ríe? entre nosotros por la versión que hiciera Soledad Bravo, Vamos juntos y Cielito de los muchachos en la cavernosa por profunda voz de Viglietti.

Con el tiempo, y teniendo el honor de contar con “Los Olimareños” en territorio venezolano mucho más se cantó de Benedetti, queriéndolo tanto en la lectura como en la audición. Desde entonces el paradigma que separa a los cantores y a los poetas se hizo añicos en el “porque me da la gana” de los pueblos. Es decir: Gracias por el fuego. En el ejercicio del criterio no dejaremos que se apague, que para ello contamos también con la cuerda del candombe y  los tambores. Y aunque Benedetti decía que Dios tocaba mal el arpa, por acá , en el Caribe se sabe cómo los tambores son tocados por Dios.

"Cómo me gustaría cantar 

pero no canto 

por respeto no canto

por respeto a mí mismo y a los otros

a veces canto en sueños, sin pudores

versos de casi clásicos o sea

de Darío y Machado, de Vallejo

pero ellos ya no pueden molestarse

porque en el purgatorio no hay audífonos"

(Canciones del que no canta. Mario Benedetti).

]]>
<![CDATA[Conoce el legado de Jorge Luis Borges a través de sus obras]]> http://www.telesurtv.net/news/jorge-luis-borges-obra-literaria-20220614-0002.html Borges fue nominado durante varios años consecutivos al Premio Nobel de Literatura, pero jamás se lo dieron.

]]>
14.06.22 Tue, 14 Jun 2022 05:10:00 Jorge Luis Borges es una de las principales figuras de la literatura en español del siglo XX, nacido en Buenos Aires, capital de Argentina, el 24 de agosto de 1899. Sus padres fueron Guillermo Borges y Leonor Acevedo, quienes descendían de próceres argentinos vinculados a la Guerra de Independencia.

LEA TAMBIÉN:

Cinco cuentos para conocer al escritor Jorge Luis Borges

Recibió una educación privilegiada, entre instituciones inglesas y un hogar bilingüe. Estudió en colegios internacionales cuando su familia se fue a Europa en 1914, debido a que el padre se sometería a tratamientos oftalmológicos en Suiza, Ginebra. Esta misma enfermedad fue heredada por su hijo.

Borges fue precoz en el lenguaje y la lectura y publicó sus primeros relatos antes de alcanzar la adolescencia. Tradujo obras de Óscar Wilde a los nueve años. Además, trabajó junto a Ricardo Guiraldes y otros autores de la Revista ultraísta Proa.

Varios cuentos, poemas y ensayos breves integran su producción literaria, con alto nivel de erudición y capacidad creativa que sirve de inspiración a literatos de todo el mundo.

A sus 86 años falleció en la ciudad suiza de Ginebra el 14 de junio de 1986. En 2018, el Comité Internacional de Escritores (CIE) decidió saldar la deuda histórica con el escritor y entregarle de manera simbólica el Nobel de Literatura, premio al que estuvo nominado durante 30 años.

Borges dirigió la Biblioteca Nacional en 1955 y entre las décadas del 60 y el 70 publicó sus mejores relatos, consagrándose en la academia argentina y estadounidense. Ahora te mostramos varias de las obras más importantes del autor.

Cinco obras importantes de Borges

 

  1. El Aleph:

Este texto de cuento, publicado en 1949, el personaje principal lleva el mismo nombre que su autor y relata cómo cambian las cosas con la muerte de Beatriz Viterbo, su amor no correspondido. Borges mantiene inamovible el mundo y las costumbres asociadas a su relación con Beatriz.

El personaje visita la casa de ella, interactúa con el hermano, Carlos Argentino, quien le da unos poemas para que algún relevante escritor los prologue. Un tiempo después, Carlos le llama para decirle que su casa antigua será demolida y que en el sótano está el Aleph, un punto donde se puede ver todo el universo de manera simultánea y del que necesita para escribir.

A través de este argumento se desarrolla toda la historia donde Borges descubre que Carlos recibió un premio literario por sus poemas, que Borges consideraba malos, mientras que él no logró ningún voto.

  1. Fervor de Buenos Aires:

Este cuaderno de poesía publicado en 1923 fue una suerte de presentación literaria para el escritor.

El tema principal de los versos aborda los suburbios de la ciudad, el linde entre el barrio y el campo y cómo se desdibuja. Esta tensión entre lo particular y lo universal es pionera en las letras hispanas, en la manera en que se detalla la realidad, una poética de lo inestable sin comparación.

  1. Historia Universal de la Infamia:

Este libro de cuentos publicado en 1935 agrupa historias cortas basadas en criminales reales. Toma biografías y anécdotas de diversas culturas y geografías para transmutarlas, mediante voluntad alegórica y una expresión barroca, en sustancia literaria.

Uno de los cuentos que integra el libro se llama Hombre de la esquina Rosada, una de las más celebradas por él. También Etcétera, donde despliega la vasta cultura que sondea su espacio literario.

  1. Inquisiciones:

Es un conjunto de ensayos publicados en 1925, siendo muy joven. El tema principal de los ensayos es la literatura. Con la llegada de su madurez, Borges abominó este libro de su juventud.

  1. El otro, el mismo:

Este es otro poemario que vio la luz en 1964. En sus versos mostró cómo se desdobla en varios Borges de manera ininterrumpida, Hace variaciones prodigiosas y de repeticiones obsesivas. El hombre perdido en el laberinto de un tiempo hecho de cambios que son repeticiones se volvió su obsesión lírica.

También aparece que el hombre desaparece al verse ante el espejo de la eternidad sin facciones.

]]>
<![CDATA[Donde las papas queman…]]> http://www.telesurtv.net/telesuragenda/donde-papas-queman-20220614-0003.html Son muchas las voces que se han levantado contra el poder hegemónico y en defensa de la identidad cultural, pues ella define el derrotero de los pueblos, sobre todo en estas horas de alta definición.

]]>
14.06.22 Tue, 14 Jun 2022 03:52:00 El área del Caribe, definida admirablemente por el dominicano Juan Bosch como “Frontera Imperial”, ha visto el fuego cruzado de eternas discusiones culturales, ganadas usualmente por quienes detentan el poder económico, político y social. Corren tiempos en que la penetración cultural se ha vuelto más artera como arma para la dominación de gustos y conciencias, porque ‘vende’ como cultura popular (música incluida) lo que es un diseño para el consumo masivo, que tiene en los medios de  comunicación su principal herramienta difusora para dar nacimiento al espejismo en un pueblo que cree que es su cultura la que se expresa, cuando en realidad se trata de la alienación, de comercializar la cultura como mercancía.

Sin embargo son muchas las voces que se han levantado contra el poder hegemónico y en defensa de la identidad cultural, pues ella define el derrotero de los pueblos, sobre todo en estas horas de alta definición.

La primera mentira

 

Numa Molina es venezolano, periodista y sacerdote jesuita. El Padre Numa, como cariñosamente se le llama, siempre ha enfocado el tema de la comunicación desde la verdad y desde la historia, y nunca ha dejado lo cultural fuera de esta temática. Él, como otros comunicadores investigadores sabe que expresión, oportunidades, crítica, formación y análisis son aspectos que deben abordarse al preguntarse, por ejemplo por qué no hay más información de la cultura profunda en los medios de comunicación (de Venezuela y del continente), o por qué un músico o una orquesta, o un evento son abordados profusamente en detrimento de otros, o peor, aplastando al otro. ¿Está vinculada la información cultural nada más al conocimiento de quien la ofrece, o hay algo más?

Padre Numa Molina.

“El móvil del primer pecado según el relato hebreo del Génesis fue la mentira”, señala Molina. “La serpiente que representa el mal en el relato, rompe el estado de felicidad de los seres humanos con una noticia falsa, ‘si se atreven a alterar el equilibrio natural de la creación serán poderosos, serán como dioses’. Y los seres humanos se aventuraron hasta sucumbir. ¿Ven? la mentira como móvil para que el hombre no sea feliz”.

“La verdad tiene un costo, implica cruces, exige renunciar a los primeros puestos. Quien ha hecho de la verdad su norma  debe estar dispuesto a vivir con lo mínimo, a ser un asceta capaz de renunciar a las jugosas ofertas, y de  rebelarse contra las demandas inmorales que les proponen. Casarse con la verdad pasa por experimentar la humillación de muchos que te llamarán tonto.  En fin, un periodista, un comunicador con ética  es un incomprendido porque el espíritu mercantilista del mundo no entiende que  sus opciones tienen un fin, la libertad de aquellos a los que sirve. Una libertad ganada a fuerza de realismo, que le concede autoridad, y una autoridad que no se compra con chequeras, sino a fuerza de ser honestos con la realidad”.

 

 

 

La información como mercancía

 

El periodista e investigador español residenciado en Francia, Ignacio Ramonet apunta a la información como mercancía. Él señala: “La información funciona como una mercancía algo particular, en la medida en que es una mercancía gratuita. La mayoría de nosotros cuando consumimos información por la radio o por la televisión, pues no pagamos por ella y en Internet la mayoría de los sitios de información son igualmente gratuitos. Entonces, digamos, ¿cómo es que el sistema, que tan preocupado siempre está de beneficios, hace que en la circulación de la información, la información sea gratuita?  Es gratuita porque en realidad, el mecanismo del comercio de la información no consiste en vender información a la gente, consiste en vender gente a los anunciantes”.

 

 

 

Música como negocio

 

“El periodismo cultural sólo es posible cuando el comunicador tiene conocimientos previos sobre el tema y sabe cómo enfocarlos, y sobre todo cuando se está claro que lo importante en un artista es su obra, lo que ha hecho y cómo lo ha hecho, y no la ropa que viste ni sus hábitos sexuales ni sus gustos gastronómicos ni que haya tocado en el Sambódromo de Río ante cien mil espectadores o en el Coliseo de Roma ante diez mil gladiadores, ochenta leones, siete cocodrilos y un emperador”.

De esta manera se expresaba sobre el tema el prestigioso investigador cubano Leonardo Acosta, quien en una entrevista efectuada por Rafael Bassi, de Colombia, afirmaba: “Si el futuro del propio planeta está en entredicho, ¿qué podemos decir de la música? Ante todo, la música es hoy un inmenso negocio mega-millonario cuyos mayores beneficios provienen de lo que pudiera llamarse música-basura o música-chatarra. Claro que hay mucha gente que sigue haciendo cosas buenas y a veces nuevas, aunque con un mercado limitado. Lo ideal sería una especie de “mercado común” caribeño de la música, pero por ahora hablar de eso es caer en el pensamiento utópico”.

Leonardo Acosta.

“Cada época tiene sus necesidades, y alguna vez el periodismo de música debió ser más preciso y, quizás, analítico. Importaba el rigor en el significado de una determinada pieza, y los rasgos emocionales de su autor”. 

Lo anterior lo señala la investigadora chilena Marisol García, quien ha avanzado en un estudio a fondo de la alienación y sus vínculos con el periodismo cultural.

“Para saber qué requiere el actual periodismo musical, quizás sea necesario establecer primero todo aquello que no es: un periodista no es alguien llamado a poner notas ni estrellas, tampoco alguien a quien se le pague para determinar ‘lo bueno’ y ‘lo malo’. No tiene para qué plagar sus notas de adjetivos, ni memorizar fechas y nombres como una enciclopedia andante, ni inventar cada semana un nuevo subgénero”. De esta forma García apunta hacia la ética en la función comunicadora.

Los músicos sentencian

 

Lo anterior nos hace desembocar en los predios del compromiso, de la pasión por el otro, por el sístole y diástole de las culturas y sus sonoridades. No se trata de una queja sino de un llamado a la interpelación para no vernos no como pasivos consumidores de música y datos sino como agentes reflexivos, entendedores de los contextos que han permeado las inclinaciones culturales.

No basta el gusto por voces ni orquestaciones, ni la rica intensidad de un golpe tocuyano, un son montuno, un vals, una chacarera... ¿Por qué nos gustan? ¿Es sólo un hecho emocional, o algo de nuestra propia historia incide en ello? Es importante saberlo para preservar lo que une y defenderlo desde cualquier trinchera para fortalecerlo y fortalecernos como pueblos con identidad propia.

Víctor Jara.

En este sentido el músico también interpela, como lo hiciera el cantor chileno Víctor Jara, el del infinito martirio: “Yo sostengo que la canción, llámese testimonial, protesta, comprometida, es antes que nada canción. Es una canción que tiene que ascender al pueblo, y no descender al pueblo. Por lo tanto tiene que tener los valores intrínsecos del rigor artístico que ello requiere. Se da el caso de la canción contingente que en un momento ayuda, canciones movilizadoras que canta el pueblo…Pero hay otra canción que queda en el alma del pueblo, y es esa canción que moviliza los sentimientos del hombre. Cuando los compositores latinoamericanos lleguemos a ese rigor artístico, a la profundidad misma del por qué de la canción, entonces yo creo que vamos a revolucionar totalmente la música…”.

 

 

“Si no hay verdad en los cantores; entonces no habrá verdad ni en el canto ni en mi esperanza”, afirmó Alí Primera, mientras que Carlos Puebla definió: "Yo no soy un cantante. Yo soy un cantor. Cantante es el que tiene con qué. Cantor es el que tiene por qué". Para esto sólo hay que afinar la vista cultural para entender la diferencia.

Ningún daño hará estar donde las papas queman, como cantaba Jara, el eterno de Chile, del que tantas lecciones hay.

]]>
<![CDATA[Legado cultural de Roberto Fernández Retamar para Cuba]]> http://www.telesurtv.net/news/roberto-fernandez-retamar-legado-cultura-cuba-20200608-0039.html En Casa de las Américas, Fernández Retamar reunió lo mejor del arte y la literatura del continente y aunó fuerzas por la integración cultural de América Latina y el Caribe.

]]>
09.06.22 Thu, 9 Jun 2022 06:17:00 Este jueves se conmemora el aniversario 92 del natalicio del intelectual cubano Roberto Fernández Retamar, quien recibió el Premio Nacional de Ciencias Sociales en 2012 y fue director de Casa de las Américas hasta su desaparición física en 2019.

LEA TAMBIÉN

Conoce el legado de Martí a través de algunas de sus obras

En su legado encontramos su labor como jefe de información de la revista Alba, entre los años 1947 y 1948. En ella entrevistó al Premio Nobel de Literatura Ernest Hemingway. Desde 1951 se incorporó al equipo de la revista Orígenes, una de las publicaciones más importantes de la historia artístico-literaria cubana.

En ella se dieron cita grandes intelectuales como José Lezama Lima, Fina García Marruz y otros que marcaron pauta en al arte cubano. Además, Fernández Retamar fue muy activo como secretario de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (Uneac), que dirigió junto al poeta nacional cubano Nicolás Guillén.

 

Fundó en 1977 el Centro de Estudios Martianos, dedicado a promover, conocer y difundir la vida y obra del Héroe Nacional de Cuba, José Martí. En él se mantuvo como director cuando le fue encomendada la tarea de estar al frente de Casa de las Américas como director en 1986.

En Casa de las Américas, Retamar continuó el legado de la fundadora, la heroína cubana Haydée Santamaría. Allí reunió lo mejor del arte y la literatura del continente y aunó fuerzas por la integración cultural de América Latina y el Caribe.

 

Asimismo, la institución sirvió como guía e inspiración a creadores jóvenes que cada año compiten por sus múltiples premios, entre los que se encuentran de teatro, literatura, composición. Además organiza foros descolonizadores y contribuye a la creación de un discurso antihegemónico.

Desde 1955 fue profesor de la Universidad de La Habana, habiéndolo sido igualmente, entre 1957 y 1958, de la Universidad de Yale, y ofreció conferencias, lecturas y cursos, y asistido a reuniones en muchas otras instituciones culturales de América, Europa y Japón.

Desde 1995 fue miembro de la Academia Cubana de la Lengua, que dirigió entre 2008 y 2012, y miembro correspondiente de la Real Academia Española. Algunos de los premios recibidos fueron el Nacional de Literatura, el José Martí de la Unesco y la medalla Alejo Carpentier de Cuba.

Entre sus obras más destacadas están: Todo Caliban, Felices los normales: Poesías escogidas, Con las mismas manos: ensayo y poesía, Que queremos arder, Pensamiento de nuestra América: autorreflexiones y propuestas.

]]>
<![CDATA[Siete curiosidades sobre la lengua rusa]]> http://www.telesurtv.net/news/idioma-ruso-conmemoracion-curiosidades-20220603-0017.html Cada 6 de junio, en ocasión del aniversario del  natalicio de A. Pushkin, se celebra el Día de la lengua rusa en la ONU.

]]>
06.06.22 Mon, 6 Jun 2022 03:03:00 El 6 de junio es la fecha del natalicio del gran poeta ruso Aleksandr Serguéyevich Pushkin​, y en el marco del programa de apoyo y desarrollo del multilingüismo y la diversidad cultural, se celebra por parte de  la Organización de Naciones Unidas (ONU) el Día de la lengua rusa. ¿Te interesa saber alguna de sus cuestiones más curiosas?

LEA TAMBIÉN: 

Idioma ruso: Conoce su importancia en el mundo

La ONU protege así a uno de sus seis idiomas oficiales: inglés, árabe, español, chino, ruso y francés.

1. Su origen data del siglo X, cuando dos monjes bizantinos, San Cirilo y San Metodio, crearon el alfabeto cirílico, basado en el alfabeto griego con caracteres del alfabeto glagolítico por sonidos exclusivamente eslavos, para traducir los textos religiosos y, de esta forma, facilitar la evangelización de los territorios eslavos.

El alfabeto cirílico está compuesto por 33 letras: 21 consonantes, 11 vocales, y 2 letras sin sonido (el signo duro “ъ”, y el signo débil “ь”). En principio no se trata de un alfabeto especialmente complicado.

2. En todo el mundo hay unos 300 millones de personas que hablan ruso; de las cuales 170 millones la consideran su lengua materna y 119 millones de estos hablantes son ciudadanos rusos.

El idioma ruso es la lengua oficial de países como Belarús, Kirguistán y Kazajistán y su uso está muy extendido en Ucrania, algunas zonas de Georgia, Estonia y Letonia. Esta presencia tan extensa se debe a la existencia de la antigua Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas (URSS), desaparecida en 1991, que estaba formada por 15 repúblicas (algunas tenían su propio idioma nacional, regional o dialecto).

3. Los nombres más comunes en ruso

Si naces en Rusia o en algunos de los países rusoparlantes lo más seguro es que te llamen “Aleksandr”, “Andrey”, “Vladislav”, “Dmítriy”, “Iván”, “Ilia” o “Nikita” si escogen un nombre tradicionalmente asignado a varones. Y “Anya”, “Alena”, “Dasha”, “Ekaterina”, “Irina” o “Katya” en caso de escoger un nombre asociado a mujeres.

4. Una de las grandes diferencias con la gramática española es que cada verbo posee dos aspectos: el perfectivo y el imperfectivo. El imperfectivo se utiliza para indicar que una acción aún no ha terminado o se repite. El perfectivo para una acción que sucede una vez o ha terminado. El perfectivo nunca se utiliza en tiempo presente.

Uno de sus verbos más raros en su uso es el verbo "tener". Aunque se conjuga de igual forma que el resto de verbos rusos, apenas se utiliza en el uso coloquial. Si alguien quiere dejar claro que posee una vivienda no dirá “yo tengo una casa”, sino “a mí es una casa”. 

5. No hay reglas para conocer la posición del acento. Y ponerlo en el lugar equivocado puede cambiar totalmente el significado de la palabra. Por ello, conviene memorizar las palabras que llevan acento. Eso sí, la “ë” siempre lleva acento.

6. El idioma ruso tiene más expresiones para referirse a las tonalidades de azul que la mayoría de los otros idiomas. De hecho, divide estas tonalidades en claros (голубой) y oscuros (синий). Este dato es todavía más curioso si tenemos en cuenta que algunos idiomas no diferencian siquiera entre azul y verde.

7. Los apellidos rusos son patronímicos y varían según el género. El nombre mantiene la misma raíz, pero se le añade un sufijo según el género. A los niños se les añade el sufijo “ovich” o “evich”, y a las niñas “ova” o “ovna”. Por ejemplo, si el Sr. Ivan tuviera un hijo, su apellido o nombre patronímico sería Ivanovich o Ivanevich; y si tuviera una hija, sería Ivanova o Ivanovna seguido del apellido. Curiosamente, los apellidos no aparecieron en Rusia hasta el siglo XVIII.

Un plus: se estima que solo hay 200.000 palabras rusas; muchas menos que, por ejemplo, el inglés, que tiene alrededor de un millón.

]]>
<![CDATA[Conoce algunas frases célebres de Federico García Lorca]]> http://www.telesurtv.net/news/cultura-frases-celebres-federico-garcia-lorca-20220604-0004.html "No hay nada más vivo que un recuerdo": García Lorca, poeta español nacido el 5 de junio de 1898 y asesinado por los fascistas el 19 de agosto de 1936.

]]>
05.06.22 Sun, 5 Jun 2022 06:22:00 Un símbolo de lo lírico, de la libertad, de lo humano. El más reconocido de la pléyade de escritores enmarcados en un movimiento que pasó a la historia como la generación del 27 y uno de los literatos más influyentes de la España del siglo XX. Eso y más fue Federico García Lorca, quien nació el 5 de junio de 1898 en Fuente Vaqueros, Granada, España.

LEA TAMBIÉN:

Inicia campaña para comicios regionales en Andalucía

Federico del Sagrado Corazón de Jesús García Lorca inició estudios en la Universidad de Granada en 1914 donde matriculó en las carreras de Filosofía, Letras y Derecho y empezó a dar sus primeros pasos en el arte y como intelectual.

Mientras aún cursaba como universitario se traslada a la residencia de Estudiantes de Madrid, lo que termina siendo decisivo para el desarrollo de su formación cultural.

El periodo de 1919 a 1921 fue muy productivo para Federico García Lorca, pues publicó Libro de Poemas, su primera obra en versos, compuso sus primeras Suites, así como estrenó El Maleficio de la Mariposa y otras piezas de teatro y conoció a Juan Ramón Jiménez, quien sería merecedor del Premio Nobel de Literatura (1956) y uno de los literatos españoles más influyentes en la obra lorquiana.

Sevilla acoge en diciembre de 1927 a varios poetas españoles para celebrar el aniversario 300 del natalicio de Luis de Góngora, entre los que figuraban Rafael Alberti, Jorge Guillén, Pedro Salinas, Luis Cernuda, Vicente Aleixandre, Emilio Prados, Dámaso Alonso y Lorca. Este encuentro es lo que termina marcando para muchos estudiosos el inicio de la conocida como la generación del 27.

En 1929 se trasladó a Nueva York en un viaje que inspiró su texto con publicación póstuma Poeta en Nueva York. Al año siguiente el artista tomó rumbo a La Habana, donde aunque estuvo poco tiempo, pudo descubrir parte importante de la cultura y sobre todo la música cubana.

El grupo de teatro ambulante La Barraca, instituido durante la segunda república española (1931), fue otra de las principales obras de Lorca pues llevó a varias partes del país obras de grandes de la literatura ibérica como Calderón de la Barca, Lope de Vega y Miguel de Cervantes.

En 1933 se estrena en Argentina su obra Bodas de Sangre que tiene un rotundo éxito popular al punto de ser representada en más de 100 ocasiones. En ese mismo país tuvo la oportunidad de dirigir obras propias como La zapatera prodigiosa y El retablillo de don Cristóbal. Por esta época conoció también a figuras como Pablo Neruda, Juana de Ibarbourou y Ricardo Molinari.

Lorca vuelve a su país natal en 1934 donde culminó obras como Doña Rosita la soltera, La casa de Bernarda Alba. En España continúa dirigiendo obras de teatro, realizando conferencias hasta que viaja por última vez a Latinoamérica, específicamente a Uruguay.

Tras su vuelta a España decidió reunirse con su familia en la huerta de San Vicente (actual Casa-Museo Federico García Lorca) pocos días antes de que estallara la Guerra Civil. El 16 de agosto de 1936 fue detenido por la Guardia Civil. Tres días más tarde fue ejecutado por fuerzas franquistas junto a otros detenidos.

A continuación le dejamos siete frases para recordar la figura del poeta, dramaturgo, pintor y revolucionario español Federico García Lorca.

“El que quiere arañar la Luna, se arañará el corazón”.

“Callar y quemarse es el castigo más grande que nos podemos echar encima”.

“Y aunque no me quisieras te querría por tu mirar sombrío, como quiere la alondra al nuevo día sólo por el rocío”.

“La armonía hecha carne, tú eres el resumen genial de lo lírico. En ti duerme la melancolía, el secreto del beso y del grito”.

“La agonía física, biológica, natural de un cuerpo por hambre, sed o frío dura poco, muy poco. Pero la agonía del alma insatisfecha dura toda la vida”.

“Hay cosas encerradas dentro de los muros que, si salieran de pronto a la calle y gritaran, llenarían el mundo”.

“En la bandera de la libertad bordé el amor más grande de mi vida”.

]]>
<![CDATA[Cinco obras para conocer al poeta dominicano Pedro Mir]]> http://www.telesurtv.net/news/cinco-obras-conocer-poeta-pedro-mir--20220602-0039.html Pedro Mir alcanzó el prestigio continental a través de su poesía social desvinculada de los asuntos políticos. 

]]>
03.06.22 Fri, 3 Jun 2022 04:10:00 República Dominicana conmemora este 3 de junio los 109 años del nacimiento del poeta Pedro Julio Mir Valentín considerado el poeta nacional del país centroamericano y quien fuera miembro de la generación de Poetas Independientes de los años 40.

LEA TAMBIÉN:

Descubren 250 sarcófagos con momias en Egipto

A lo largo de su vida, el poeta conocido popularmente como Pedro Mir,  nacido en la provincia dominicana de San Pedro de Macorís, logró el prestigio continental por sus criterios estéticos y profundamente vinculados con el sentir colectivo, lo cual reflejo en su poesía social desvinculada de los asuntos políticos.

Así pues, su carrera literaria fue conformada por la investigación artística e histórica, incursiones en el ensayo y el periodismo literario; asimismo, organizaba tertulias con gran afluencia de espectadores para acercar al pueblo a su obra.

Vale resaltar que la poesía de este escritor respondía a su estilo salmódico, de versos largos, en combinación con un lenguaje poético matizado con lo anecdótico y la expresión coloquial directa.

Cinco obras para interpretar a Pedro Mir

Hay un país en el mundo (1949): Obra dedicada a su patria, que le otorgó reconocimiento continental.

Hay un país en el mundo
colocado
en el mismo trayecto del sol.
Oriundo de la noche.
Colocado
en un inverosímil archipiélago
de azúcar y de alcohol.

El huracán Neruda (1975): La obra alude un canto a Pablo Neruda, el cual incluye una invocación a Bolívar, quien es apelado por el poeta dominicano como la raíz que reconoce en el pasado, de la cual tanto Neruda como él, son herederos.

¿Que ha sucedido, Padre? Todo ha muerto. Todo se ha dislocado. Se ha sumergido todo. El caracol neruda en las inmensidades de los mares neruda.
El capitán neruda en los rompientes del archipiélago neruda.
Y todo neruda ardiendo en la esencial madera de aquella noche iluminada en la emoción neruda:
“Quiero escribir los versos mas tristes esta noche”…
Y de pronto el celestial estruendo en la bóveda neruda.
Neruda entre los astros de la infernal dislocación neruda.

 
 

Amén de mariposas: Pieza sustancial para entender la conmoción del crimen cometido contra las Hermanas Mirabal, Minerva, Patria y María Teresa, durante la dictadura de Rafael L. Trujillo

Cuando supe que tres de los espejos de la sociedad

tres respetos del brazo y orgullo de los hombres

tres y entonces madres

y comienzo del día

habían caído

asesinadas

¡oh, asesinadas!

Alegría de la mañana blanca

Esta es la fiesta de un hombre
que emborrachó de emoción.
¿Quién te llevó por el río
para besarte la falda?
¿Quién te decía los versos
y te confiaba las cartas?
¿Quién te apretaba el meñique
y los besos te robaba?

Ni un paso atrás

Árbol de luna que obedece al clima

un sistema de nocturnidad,

no permitas que el murciélago te oprima.

Ni un paso atrás.

No permitas que el largo regimiento

de los años de crimen pertinaz,

te toque el hombro con el pensamiento.

Ni un paso atrás.

]]>
<![CDATA[¿Quién fue la prócer venezolana Luisa Cáceres de Arismendi?]]> http://www.telesurtv.net/news/heroina-venezolana-luisa-caceres-arismendi-independencia-20180601-0045.html La heroína venezolana Luisa Cáceres, falleció el 2 de Junio de 1866 tras dedicar parte de su vida a la lucha independentista de Venezuela.

]]>
02.06.22 Thu, 2 Jun 2022 03:15:00
 
]]>
<![CDATA[Las Gardenias de Isolina]]> http://www.telesurtv.net/telesuragenda/Las-Gardenias-de-Isolina-20220531-0006.html 31.05.22 Tue, 31 May 2022 06:22:00 La impresión primera con ella es que se tomaba su jerarquía muy naturalmente. Isolina Carrillo Estrada no creía en solemnidades, y ese puesto de diosa que le confirieron millones de amantes del bolero lo asume con gracia, naturalmente, en verdad.

Pudimos conversar con ella concediéndonos un aparte durante una entrega de premios del sello EGREM, en un acogedor espacio habanero.

Resultaba imposible deducir sus años. Esbelta y de baja estatura, con una hermosa piel negra, y sonriente. Imposible, pero vio la luz primera en La Habana el 9 de diciembre de 1907, y entonces dijo que había nacido prácticamente dentro de una orquesta.

“Mi padre, Crispín Carrillo, tenía una orquesta. Él era músico de verdad. Tocaba bandurria, tocaba guitarra y también le metía a la percusión. Ahora yo te digo a ti que a pesar de eso yo no creo que me haya inclinado hacia la música porque mi padre me la haya inculcado. Yo andaba por la casa, como cualquier niña normal. Yo creo que el asunto me vino de ver tanto a mi hermano solfeando, porque ese sí quería ser músico. Y mira tú que mi hermano vivía con el do re mi para todas partes y yo me ponía a remedarlo. Creo que fue ahí cuando empecé a ver el asunto medio en serio. Mi hermano se llamaba Luis, Luis Carrillo. Con el tiempo se hizo director de orquesta, como mi papá”.

Tratamos de establecer la cronología de aquél aprendizaje y logramos saber que a sus 10 años ya Isolina estaba en clases de piano porque quería dar conciertos. Y no sólo eso. Sabemos que se unió a la Charanga de su papá para tocar en los cines, tal y como se acostumbraba en esa etapa del cine mudo.

“Papá dirigía, Luis tocaba la flauta y yo el piano. Era bonito. A los 13 años, en 1920, ya era pianista acompañante de quien lo solicitara porque mi papá me daba permiso. También trabajé como pianista suplente de la Orquesta de Calixto Allende, que actuaba en el cine silente Strand; más tarde lo haría en el Hisperia y el Favorito”.

Su etapa de compositora no había comenzado todavía.

Las Manos en la Musa

 

Entre saludos y abrazos Isolina nos dijo que su sueño de concertista duró poco. Y contó que esa etapa de esplendor de los cines fue efímera.

“El asunto comenzó a ponerse feo para todos, sobre todo en lo económico y hubo que ponerse pa’ las cosas. Así que me hice, sin más, pianista acompañante de lo que fuera, de quien fuera. Yo cantaba. Yo estudiaba canto y a los 15 ya había terminado mis estudios de piano, pero lo de “estrella” lo dejé para los sueños. Había que vivir, mulata, había que vivir…”.

A pesar de la situación y los compromisos fue una etapa fructífera en su vida musical. Fundó en 1933 “Las Trovadoras del Cayo”. Posteriormente hizo un exquisito trío con Vicente González Rubiera (Guyún) guitarra, y Marcelino Guerra (Rapindey), cantante; integró el Quinteto “Siboney”, el Conjunto “Tropicuba” y el Trío “Sepia”. Inclusive conformó un conjunto vocal con el que saldría de gira por la América Latina.

Así prosiguió cantando ella y acompañando a intérpretes de Boleros, Rumbas, y, confiesa, sobre todo Tangos, que era la locura de entonces, muerto ya Carlos Gardel.

Radio y composición

 

Para 1938 tenemos a Isolina en la CMQ radio como repertorista y pianista acompañante. Con esas mismas condiciones llegó también a la RHC, la Radio Cadena Azul, de Amado Trinidad. Es allí donde se produce el salto cualitativo que la lleva al mundo de la composición, algo que nunca pasó por su mente.

“Era 1947 ya yo estaba en la Cadena Azul como pianista acompañante. Poco a poco fui, como quien dice, ascendiendo y llegué a ser lo que uno llama Directora Artística de varios programas de la Cadena, claro, programas musicales. Un día Amado Trinidad me preguntó si podía hacer la música para identificar un nuevo programa, y mira. Me puse pa’ las cosas y la hice. Fue un bolero. A ese bolero, con letra y todo, le di por título “Miedo de ti” y se convirtió en un éxito. Tan éxito, mulata, que lo llegaron a interpretar algunos notables de la época como Pedro Vargas y Eva Garza. A Amado Trinidad le gustó tanto el asunto que me puso a componer temas publicitarios (jingles dicen ahora) y así pasé a componer piezas para vender jabones de lavar ropa, y luego perfumes y productos de belleza para mujeres”. “Miedo de ti” fue su primer tema.

Confesó Isolina que lo de ella no fue inspiración, así como la llaman, sino aplicación y técnica, la que había aprendido desde sus días de estudiante de música. Tenía recursos, Isolina porque no era sólo el piano; era que tocaba guitarra, tres, trompeta, bongó, órgano, y además cantaba y dirigía.

Dos Gardenias

 

“Dos Gardenias” nació en 1948. Fue registrado el 23 de abril del mismo año 48. Fue un éxito inmediato. Yo no sé qué pasó con ese tema, porque la verdad, creo tener temas mucho mejores que ese. Pero así son las cosas. “Dos Gardenias” salió de un solo tirón y de un solo tirón le dio la vuelta al mundo. Yo no sé qué pasó con ese tema.

Quien primero interpretó este bolero fue mi esposo, Guillermo Arronte. Casi enseguida la interpretó Daniel Santos y el resto imagino que todos lo saben, porque mira tú la cantidad de versiones que han hecho con las Gardenias”.

 

 

Uno supone lo que pasó con “Dos Gardenias”. Forma parte de los temas que el colectivo se apropia, que hace suyos, como si lo hubiera compuesto cualquier mortal de cualquier país, a cualquier hora. Es el misterio de los inmortales aplicado a la música. Es el enigma del eco del alma de todos.

Isolina Carrillo nos ofrece títulos de temas compuestos por ella, excelentes en su criterio y que no tuvieron el vuelo de las dos gardenias. Ahí están “Increíble”, “Parte de mi vida”, “Castillos de sueños”, “Soy tu destino” y hasta el mismo “Miedo de ti”, entre los más de 75 que dejó registrados.

Durante ocho años realizó giras internacionales. Venezuela, Panamá, Puerto Rico, República Dominicana, Argentina, Uruguay, Chile, Perú y México le rindieron reiteradas ovaciones.

 

 

Al consultarle en torno a los artistas que más admiraba, respondió:

“En Cuba uno admira a muchos porque, déjame decirte, y no lo tomes a mal, que los de aquí han sido los más grandes entre los grandes. No olvido la primera vez que canté junto al Benny. Yo no salía de mi embeleso. Merceditas Valdés, esa es grande entre los grandes. Elena, la misma Guillot, que fue la que me sustituyó en el Conjunto ‘Siboney’...Son muchos: Roberto Faz, Abelardo Barroso, el mismo Guillermo, el esposo de Merceditas, Bola de Nieve, Ñico, oye, te digo que son muchos. Ahora, de los extranjeros yo personalmente mantengo un gran cariño por Daniel Santos, porque paseó las “Dos Gardenias” por todas partes, desde que la grabó con la Matancera. También admiré muchísimo a Sadel, de tu país y a Toña la Negra, lo mismo que a Pedro Vargas. Son muchos también”.

Epílogo

 

Al momento de nuestra conversación con ella, seguía componiendo, creando.

“Toco de vez en cuando en algunos locales nocturnos, y me presento en televisión y en conciertos especiales. Parece que la gente no se cansa de mí. Todo lo que hago es porque me lo piden...

-¿Y el piano?

“Está en casa. Con ese doy mis clases. Y por placer toco mi guitarra y la mandolina”.

Isolina, la fundadora de ‘Las Trovadoras del Cayo’, la profesora de piano, la compositora por accidente se levantó de la silla donde bien acomodada había respondido nuestras interrogantes. Al levantarse ella nosotros nos levantamos también.

 

 

La que nunca buscó a nadie para que le cantara un tema, la que tenía el sentido de la transitoriedad de las cosas, la que se tomó siempre su fama naturalmente tiene, con seguridad, el corazón de todos los melómanos agradecidos de esta parte del mundo.

En definitiva sus “Dos Gardenias” siempre se han multiplicado.

Falleció en La Habana el 22 de febrero de 1996, por una falla cardíaca. Contaba con 88 años.

]]>