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La comunicación del CNAE resalta que Corina es una "mujer de fuerte convicción revolucionaria, [que] recibió en su hogar el mejor ejemplo de dignidad y entereza, lo cual contribuyó a forjar un carácter imponente dentro del espectro de la cultura cubana".

Puntualiza que fue una "brillante actriz y declamadora de voz excepcional,con excelentes dotes para la comedia y el drama, merecedora de múltiples aplausos por sus actuaciones en teatro, cine, radio y televisión".

De acuerdo a Alpidio Alonso, "la cultura cubana pierde a una de sus más grandes figuras y la Revolución a una firme militante. ¡Nuestra gratitud eterna por tu obra y tu ejemplo, querida hermana!".

El presidente de la Unión de Escritores y Artistas de Cuba (Uneac), Luis Morlote, dijo que "Cuba depide a una de sus queridas artistas", al tiempo que calificó de "dolor inmenso e inconsolable" "la partida física de "nuestra Corina Mestre".

La Casa de las Américas se lamentó del deceso de la "muy querida artista de la escena cubana. Por su obra y su coherencia ética ganó la admiración del pueblo. Se entregó a la formación de las nuevas generaciones."

En el mismo sentido se pronunció el presidente cubano, Miguel Díaz-Canel quien afirmó sentir u dolor profundo por "la muerte de mi fiel amiga, colaboradora, maestra y patriota." Envió, asimismo, un abrazo a su esposo e hijo y al pueblo de  Cuba, q"ue ha perdido a una de sus defensoras más apasionadas".

Recientemente ha circulado la información de que en noviembre del 2023, un memorándum interno, escrito por Susan Wessling, la redactora de normas del NYT, el redactor internacional Philip Pan y otros funcionarios adjuntos, llegó a los periodistas como "orientación sobre algunos términos y otras cuestiones", en relación con el conflicto iniciado en octubre.

En un documento interno, obtenido por la plataforma periodística ‘The Intercept’, se lee qué términos no pueden usar sobre la Franja de Gaza, enclave palestino. La ley del silencio, la mediatización de los términos, y la libertad de expresión proclamada, se evidencia una y otra vez en la prensa y en el cine.

Donde nos lleva la deshumanización.

Jonathan Glazer, el director británico de origen judío, de 'La zona de interés', película ganadora en la categoría de Mejor película internacional, se atrevió a señalar a Israel desde la ceremonia de los Oscar.

Su película narra la historia del comandante de Auschwitz, Rudolf Höss y su esposa Hedwig, quienes se esfuerzan en construir una vida de ensueño para su familia, en una casa con jardín a pocos metros del espanto. Al otro lado del muro, está el campo de concentración y exterminio de la Alemania nazi.

El discurso de Glazer -autor de culto con solo cuatro películas y veterano del video musical-  impugnado por Organizaciones judías en EE UU y políticos israelíes, comenzaba así:

“Todas nuestras decisiones -a la hora de hacer la película- buscaban reflejarnos y confrontarnos en el presente. No para decir ‘Mira lo que hicieron entonces’, sino ‘Mira lo que hacemos ahora’. Nuestra película muestra adónde nos lleva la deshumanización”.

El director de cine se refiere a los últimos 7 meses, de los pasados 75 años. Según la analista siria, Bouthaina Shaaban, nos han cambiado nuestras vidas: “El mundo entero había conocido, antes del 7 de octubre, la horrible situación que los palestinos han soportado durante los últimos 75 años, y ha conocido especialmente el asedio de Gaza, que ha sido descrito como la prisión al aire libre más grande del mundo, impuesto por el último régimen de apartheid de la historia moderna.

Pero nadie habría sido capaz de imaginar la forma en que una gran maquinaria militar, apoyada y alimentada por la mayor potencia militar del mundo, arrinconaba a 2,2 millones de civiles para demoler sus casas justo encima de sus cabezas, y mataría a los equipos médicos junto con los enfermos y heridos que buscaban tratamiento médico, dejando a casi todos los hospitales totalmente fuera de servicio”.

Tras sus palabras en la ceremonia, Glazer sintió que los aplausos fueron tímidos. Sabía que su discurso no era una denuncia más sobre los horrores de la guerra: “Llevada a su peor versión ha dado forma a todo nuestro pasado y presente. Ahora mismo estamos aquí como hombres que rechazan que su condición de judíos y el Holocausto, hayan sido utilizados para una ocupación que ha arrastrado al conflicto a tanta gente inocente, ya sean las víctimas del 7 de octubre en Israel o del actual ataque en Gaza”.

Después del director británico de origen judío, nadie más se atrevió tocar el tema de la masacre contra el pueblo palestino.

En la pasada gala de la 96ta. edición de los premios Óscar, un grupo de artistas representados por Artistas por un Alto el Fuego, manifestaron el repudio de esa agresión de modo sutil. Llevaban abrochados sobre su ropa, un llamativo botón rojo, como una reivindicación que pide el cese al fuego en Gaza.

Reconocidas figuras portaron el detalle, entre ellos Mark Ruffalo, la cantautora Billie Eilish, la directora Ava DuVernay y el actor Maher-shala Ali. Casi 400 celebridades han firmado el llamado por el alto el fuego, incluidos Bradley Cooper, Cate Blanchett y America Ferrera (https://www.artists4ceasefire.org/). Un adorno con la bandera de Palestina, que no deja lugar a simbolismos, fue portado por los actores de ‘Anatomía de una caída’: Milo Machado-Graner y Swann Arlaud.

Hollywood

Los judíos tienen la consideración de ser los “padres fundadores”, de lo que hoy en día conocemos como Hollywood.

Un informe del Centro de Investigaciones Pew, calcula que en 2020, había más de 5,8 millones de judíos viviendo en Estados Unidos. Según las estimaciones de la Oficina Central de Estadísticas del gobierno israelí, su población total en el 2021, era de 9.449.000 habitantes. De ellos, 6.982.000 son judíos (el 73.9% del total poblacional). Luego está Francia, con más de 400 000, según datos del 2018.

El dedo apuntando a Israel, no fue bien visto por una gran parte de la comunidad judía en Hollywood. Aun cuando proclaman que el mundo artístico es progresista y reivindicativo de las causas sociales, el control gubernamental en Hollywood, incluye la manipulación, la censura y la producción de guiones en correspondencia con los objetivos de la Estrategia de Seguridad y Defensa de los Estados Unidos.

Quienes no aplaudieron el polémico discurso de Jonathan Glazer o los que lo hicieron tímidamente, ya sabían la carga que vendría detrás.

El medio especializado ‘Variety’, citó el contenido de una carta contra el discurso del realizador inglés. “Rechazamos que nuestro judaísmo quede secuestrado con el propósito de establecer una equivalencia moral entre un régimen nazi que trató de exterminar a una raza de personas y una nación israelí que trata de evitar su propio exterminio”. (…) “Da crédito al libelo de sangre moderno que alimenta un odio antijudío creciente en el mundo entero, en Estados Unidos y en Hollywood. El actual clima de creciente antisemitismo no hace sino subrayar la necesidad del Estado judío de Israel, un lugar que siempre nos acogerá, como no lo hizo ningún otro Estado durante el Holocausto descrito en la película de Glazer”.

El cineasta Glazer estaba nervioso al emitir su discurso, en consonancia con el desafío de las reglas de Hollywood. Ahora lo han estigmatizado, como enemigo público de la capital del cine. Su voz, la más directa sobre la guerra de Israel contra los palestinos en Gaza y la complicidad estadounidense, fue una expresión disidente, casi más trascendente que el evento anual de autoelogio de la industria de cine.

Recordemos como en 1978, hubo controversia sobre el tema palestino. Vanessa Redgrave fue abucheada cuando denunció a un grupúsculo de vándalos con expresiones sionistas, que habían atacado un documental sobre los palestinos. La reacción contra la artista, tuvo lugar al aceptar el Óscar a mejor actriz de reparto por ‘Julia’.

Esa misma noche de los Premios Oscar 2024, el actor, músico y productor irlandés Cillian Murphy, aceptó su Óscar a mejor actor, por ‘Oppenheimer’. Cuenta la historia del físico Julius Robert Oppenheimer, hijo de una pareja de inmigrantes judíos de origen alemán, que desarrolló la bomba atómica; fue durante los años siguientes constantemente investigado por el FBI y posteriormente acusado de ser un riesgo para la seguridad nacional. Su persecución se considera parte del Macarthismo o “la cacería de brujas” anticomunista.

El mensaje sintético del premiado actor Cillian Murphy, fue: “Para bien o para mal, todos estamos viviendo en el mundo de Oppenheimer. Por eso, realmente me gustaría dedicar esto a los promotores de paz en todas partes”.

Agenda de conciencia

Así están las cosas, si sólo interpretan que tus comentarios son antisemitas, o lo toman por ahí, sencillamente, Hollywood te despide. A propósito, la principal agencia de talentos en el mundo del cine, United Talent Agency (UTA) informó que la actriz Susan Sarandon dejaba de ser su cliente.

La actriz de 77 años, conocida por su activismo político en varias causas progresistas, participó en una marcha en favor de los palestinos en Nueva York y subió a su red social, comentarios en apoyo a palestinos, según reportaron varios medios estadounidenses.

"Hay muchas personas que en este momento tienen miedo de ser judíos, y están empezando a ver cómo se siente ser musulmán en este país, sujetos a menudo a la violencia". Dijo la actriz micrófono en mano, en un video publicado por The New York Post en su cuenta de YouTube.

Ya el 4 de noviembre del 2023, poco después de la invasión a Gaza, publicó: “No es necesario ser palestino para preocuparse por lo que está sucediendo en Gaza. Estoy con Palestina. Nadie es libre hasta que todos sean libres”.

La cinco veces ganadora del Premio Oscar, Susan Sarandon, estaba entre la multitud de Union Square, se paró en la parte trasera de un camión y pidió el alto al fuego en Gaza. Dijo a los manifestantes, que hablaran entre ellos -incluidos amigos judíos- y tomaran un respiro antes de hablar sobre la guerra de Israel.

Talento y carácter. Sarandon tiene un Premio de Cine de la Academia Británica (BAFTA), y el Premio del Sindicato de Actores a la mejor actriz, además de nueve nominaciones a los Globos de Oro. ​ Los cinco Oscar los consiguió en: el primero (1980) por 'Atlantic City'. Después 'Thelma & Louise' (1991), donde compartió candidatura con Geena Davis. Para 1992, 'Lorenzo's Oil'; 'El cliente' en 1994 y en 1995, 'Pena de muerte'.

Además de excelente actriz, está muy comprometida con varias organizaciones humanitarias; es embajadora de UNICEF y hace una década es parte de Heifer International (dona animales de granja a familias). En 2010, fue nombrada embajadora de buena voluntad por la Organización de las Naciones Unidas (ONU).

En 2019, Sarandon produjo un documental que relata los esfuerzos de la empresaria Mariam Shaar, al utilizar la cocina nacional palestina, para dar oportunidad a las refugiadas.

Shaar montó una furgoneta de comida, aprovechando la experiencia de las mujeres que viven en el campamento de refugiados del municipio Burj al Barajneh, en la periferia sur de Beirut y alberga a miles de palestinos.

Los refugiados palestinos, descendientes de familias que huyeron o fueron obligadas a huir durante los combates, desde la creación del estado de Israel en 1948, viven en condiciones de hacinamiento y pobreza.

Corría el año 1947, cuando la Asamblea General de las Naciones Unidas adoptó la resolución de crear en Palestina dos Estados, uno árabe (43 %) y otro judío (57 %); por lo que los países árabes rechazaron la disparidad.

El 6 enero de 1949, las Naciones Unidas impusieron una tregua a la primera guerra árabe-israelí, que comenzó el mismo día de la declaración de la Independencia, el 15 de mayo de 1948. Para ese día, más de 300 000 palestinos habían sido desalojados de sus casas, bajo el falso lema del movimiento sionista decía: Una tierra sin pueblo para un pueblo sin tierra.

El Naqba palestino, significó el éxodo masivo de miles de personas que huyeron a Egipto, Líbano, Jordania y Siria, donde se instalaron en campos de refugiados. Israel mantuvo el territorio otorgado por las Naciones Unidas y lo aumentó a la fuerza, con la expulsión de 800 000 palestinos, expropiados de sus hogares.

Susan Sarandon conoce la historia. El documental ‘Soufra’ relata que la veterana actriz estadounidense, contribuyó a que la Asociación del Programa de Mujeres (Women 's Program Association, WPA), recaudara fondos para construir un centro de educación preescolar, que creará empleos y educará a unos 100 niños.

Su manera concreta de ayudar, fue dar visibilidad -a través del cine- al proyecto Soufra (significa mesa de abundante comida), que relata los esfuerzos de Mariam Shaar para montar una furgoneta y elaborar alimentos, aprovechando talentos culinarios de las mujeres que viven en este campo de refugiados del Líbano.

La postura pro Palestina tiene un precio en Hollywood. Hace pocos días fue despedida por su activismo social, la actriz mexicana Melissa Barrera, a punto de realizar la próxima película de la franquicia ‘Scream VII’. Barrera publicó declaraciones en sus historias de Instagram, llamando a esa guerra: genocidio y limpieza étnica. Después, la productora Spyglass Media Group, dijo que sus publicaciones sobre Gaza en las redes sociales, eran “antisemitas”.

Barrera, quien protagonizó ‘In the Heights’, escribió en sus redes sociales: Gaza actualmente está siendo tratada como campo de concentración.

Melissa Barrera se encontraba en Park City como parte del estreno de su nueva película con la que reaparece en la pantalla grande: ‘Your Monster’, en la sección Midnight del Festival Sundance. El festival cinematográfico internacional tiene lugar anualmente las dos últimas semanas de enero en el poblado de Park City, cerca de la capital del estado de Utah, en Estados Unidos.

The Hollywood Reporter, describió que los manifestantes gritaban “Palestina libre” y “Detengan la guerra”, en la acera de la calle principal de Park City, ya que gran parte de Hollywood frecuentaba el popular destino de invierno. En el contexto del festival de cine, también en Park City se llevó a cabo una manifestación  de la organización Bring Them Home, por la liberación de rehenes por parte de Hamás.

Actualmente, la actriz mantiene su posición. Dijo, la ha hecho “despertar”, la ha llevado a convertirse en “quien se supone tiene que ser” en la vida. En respuesta, la productora Spyglass Media Group, fue tajante en su comunicado: tenemos tolerancia cero con el antisemitismo o la incitación al odio en cualquier forma, incluidas las falsas referencias al genocidio, la limpieza étnica, la distorsión del Holocausto o cualquier cosa que cruce flagrantemente la línea del discurso de odio.

A pesar de enfrentar duras críticas por ejercer su opinión sobre Gaza, importantes figuras se pronuncian. Por ejemplo, Maha Dakhil, de la agencia de talento CAA, publicó en sus redes sociales: “¿Qué duele más que presenciar el genocidio? Presenciar la negación del genocidio que está ocurriendo”.

“Estás aprendiendo en estos momentos quién apoya el genocidio”. Fueron las palabras que costaron a Maha Dakhil, su puesto como una de las principales representantes actorales de todo Hollywood (agencia CAA). Dakhil fue elegida hace un año, entre las 50 mujeres más eficaces en la industria del entretenimiento.

Después de los detractores, otras figuras artísticas salieron en defensa de los afectados. Tras la reunión de Dakhil con su cliente Tom Cruise, ella escribió: “Cometí un error al volver a publicar en mi historia de Instagram, que usaba lenguaje hiriente. Como muchos de nosotros, me he sentido angustiada. Me enorgullezco de estar del lado de la humanidad y la paz. Estoy muy agradecida a los amigos y colegas judíos, que señalaron las implicaciones y me educaron más. Inmediatamente eliminé la publicación. Lamento el dolor que he causado”.

Los inconfundibles ecos de la historia

"Los ecos de la historia son inconfundibles en nuestro clima actual". El canal Euronews, publicó hace un mes, en su versión digital, las palabras del cineasta Steven Spielberg durante una ceremonia de la USC Shoah Foundation, una organización fundada por él hace 30 años.

La Fundación Shoah, surgió para recopilar los testimonios de supervivientes de la masacre nazi. “Estos 56.000 testimonios que hemos grabado tienen un valor incalculable para enseñar a las nuevas generaciones, lo que los supervivientes han entonado durante 80 años. Nunca más. Nunca más. Nunca más”.

Sin embargo, Spielberg, de ascendencia judía, fue duramente criticado en 2005, por grupos pro-Israel, que llegaron a calificarlo de antisemita, después de estrenar su producción en la histórica ciudad de Múnich, Alemania.

Recientemente el director de 'La lista de Schindler', fue condecorado con el Medallón de la USC, alta distinción de la Universidad del Sur de California. A propósito, dijo en su discurso: “El 50% de los estudiantes, dicen haber sufrido algún tipo de discriminación por ser judíos. Esto también ocurre junto a la discriminación antimusulmana, árabe y sij". Habló de los prejuicios y de la importancia de frenar el aumento del antisemitismo y las opiniones extremistas en el actual contexto.

Sobre el conflicto de Gaza, afirmó: "Me alarma cada vez más que podamos estar condenados a repetir la historia, a tener que luchar una vez más por el derecho mismo a ser judíos. Frente a la brutalidad y la persecución, siempre hemos sido un pueblo resistente y compasivo que entiende el poder de la empatía".

"Podemos enfurecernos contra los atroces actos cometidos por los terroristas del 7 de octubre y también condenar la matanza de mujeres y niños inocentes en Gaza", dijo Spielberg en marzo pasado. "Esto nos convierte en una fuerza única para el bien en el mundo y es la razón por la que estamos hoy aquí para celebrar la labor de la Fundación Shoah, que es más crucial ahora que incluso en 1994".

Durante muchos años he tenido la increíble suerte de pasar gran parte de mi vida profesional contando historias. Las historias son la base de la historia. Las historias pueden ser mágicas. Pueden ser inspiradoras, aterradoras... pueden ser inolvidables. Y ofrecen una instantánea de la humanidad en toda su belleza y su tragedia. Y son una de nuestras armas más poderosas, en la lucha contra el antisemitismo y el odio racial y religioso. El Holocausto, o como lo llamaban mis padres "los grandes asesinatos", es una de las historias que escuché mientras crecía, reseña Euronews sobre el tres veces ganador del Oscar.

La Fundacion Shoah, que el mismo Spielberg inaugurara un año después de dirigir 'La lista de Schindler' en los años 90, lanzó un proyecto, enfatizando la necesidad de la paz, para documentar los hechos del 7 de octubre y agregarlos a la colección de testimonios de testigos y sobrevivientes del Holocausto.

Ese día, más de 1.400 personas murieron en territorio israelí, reconoce su ejército. Mientras que otras 224 fueron trasladadas a Gaza, como rehenes del movimiento de resistencia Hamas. Aunque Spielberg no está directamente involucrado en el esfuerzo de recopilar los testimonios, se manifestó a favor, refiere la fundación.

El eco selectivo

El mundo observa con espanto, mientras la población civil de Gaza es bombardeada sin misericordia. Un total de 36.280 palestinos han muerto por ataques israelíes -en su mayoría mujeres y niños-, desde el 7 de octubre del 2023, hasta el día 239 del asedio de las fuerzas de ocupación en Gaza y Cisjordania. Los médicos anotan en libretas frente a las morgues desbordadas y en los pasillos de los hospitales. Cuentan los cadáveres que quedaron atrapados debajo de los escombros y apilados en fosas comunes, excavadas al acecho de un nuevo bombardeo.

El Ministerio de Salud de Gaza registra miles de personas heridas tras la ofensiva israelí. "Más de 13.000 niños han sido asesinados", confirmó en marzo, el portavoz de la Unicef, James Elder, en la red social X. A pesar de la conmoción internacional, ni Hollywood, ni la Fundación Shoah, ni tantos medios de prensa, se hacen eco en este caso.

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“Quién iba a imaginar que César Bolívar, inmenso director del cine venezolano, cambiaría de plano un día después de Corpus Christi, siendo ese el nombre y contexto de una de sus grandes películas”, destacó Villegas en su cuenta de la red social X.

Asimismo, refirió que “la pena es honda entre sus compañeros y compañeras del mundo del cine, pero dejó suficiente huella, discípulos y admiradores para que todos los domingos sean de resurrección mientras las nuevas generaciones sigan su ejemplo. ¡Honor y gloria a César Bolívar!”

El destacado artista venezolano nació el 4 de septiembre de 1944 en Caracas, capital de Venezuela, y se desempeñó previamente como camarógrafo en el cine y la televisión. Antes, había estudiado derecho, pedagogía y matemáticas.

César Augusto Bolívar Massó dirigió para la televisión diferentes series dramatizadas de gran éxito como Sangre Azul, condecorada por la Asociación de Críticos de Nueva York, y El ciclo de Rómulo Gallegos.

Asimismo, coescribió todas sus películas en colaboración a José Ignacio Cabrujas, Salvador Garmendía, Gustavo Michelena y Ricardo García.

Entre sus películas más recordadas están Homicidio culposo, Domingo de Resurrección, Muerte en alto contraste, Juan Topocho y Corpus Christi.

En ese local se hablaba de Béisbol… y de Salsa, y la concurrencia era cada vez mayor. Músicos y peloteros, además de la fanaticada venezolana, se daban cita ahí porque se podía encontrar desde a Eddie Palmieri y José Mangual Junior hasta Ray Pérez pasando por Pan con Queso y decenas de músicos más, amén de periodistas y cazanoticias.

Allí esta periodista tropezó con Andy Montañez y sin dudarlo le solicitó una entrevista.

-¿Podemos conversar?

-¿Me vas a entrevistar?

-Esa es la intención…

-Bueno, nos vemos a las tres de la mañana en la arepera del Centro Comercial.

El hecho resultó insólito, sobre todo porque quien solicitaba la entrevista era mujer y apenas eran las 10:30 de la noche. Como se dice popularmente, tocó hacer de tripas corazón y esperar, guardando el dinero preciso para poder tomar el taxi de vuelta a casa.

A las tres de la madrugada esta periodista estaba en la arepera, con susto y todo. Andy llegó, sonrió y dijo: “Realmente quieres una entrevista. Pidamos una sopa”. Y comenzó la primera de decenas de conversaciones sostenidas a través de años, con el Niño Mimado de Trastalleres.

De la infancia y del Combo

Andrés Montañez Rodríguez nació el 7 de mayo de 1942 en Santurce, San Juan de Puerto Rico, detrás de los talleres del tren y por eso el apelativo de Niño Mimado de Tras-talleres. Ya cuenta con 82 años de vida. Andrés y Celina fueron sus padres y él fue el primogénito entre 18 hermanos.

La influencia familiar fue determinante en su vocación musical. “Mi padre siempre fue un apasionado del tango y de las buenas conversaciones y mi madre siempre me apoyó e incluso me motivó al canto. Llegó a llevarme a programas radiales y así me fui fogueando como aficionado”.

Y claro que se fue fogueando haciendo música romántica en tríos y conjuntos hasta que, contando 20 años de edad, en 1962 el músico Rafael Ithier, por recomendación del cantante y güirero Sammy Ayala, llegó hasta él para llevarlo a su naciente orquesta, El Gran Combo, que estaba surgiendo a partir del Combo de Rafael Cortijo. Ithier era el pianista de Cortijo.

Viniendo de esos grupos y tríos románticos, la pregunta es cómo se las ingenió para entrar en ese mundo más rítmico. Y cuenta que no le resultó difícil porque venía de escuchar tangos y boleros, sí, pero también bombas y plenas, ritmos de su país, y a grandes luminarias como Benny Moré y Tito Rodríguez. Andy superó su prueba de ingreso y permaneció 15 años en el Gran Combo, de los cuales 11 fueron haciendo una maravillosa dupla con Pellín Rodríguez.

Andy siempre se sintió bien en el Combo de Ithier, pero le pegó en 1973 la salida de su compañero Pellín, su yunta de tantos años. Fueron años de muchos éxitos, de verdaderos clásicos como "El barbero loco", "Julia", "Vagabundo", "Un verano en Nueva York", "Las hojas blancas", "Milonga sentimental", "La eliminación de los feos" y muchos más.

En Venezuela

Sería otro boricua, Roberto Roena, quien recomendaría a César Albóndiga Monges, director de La Dimensión Latina, tratar de contactar a Andy Montañez. Había motivos: Oscar D' León acababa de salir de la orquesta y era sustituido por Argenis Carruyo, fenomenal guarachero y gaitero al que, sin embargo, le faltaba ese toque mágico que necesitaba La Dimensión. Y según Roena ese ángel lo tenía Montañez, quien de paso era muy querido por los melómanos venezolanos.

Monges se la jugó, y ganó: Andy aceptó la oferta, se despidió de El Gran Combo de Puerto Rico y en febrero de 1977 aterrizó en Caracas para ingresar a la orquesta de los tres trombones y las tres voces: Vladimir, Andy y Rodrigo Mendoza. Los éxitos llegaron enseguida.

Tite Curet Alonso, quien jamás dio uno de sus temas al Gran Combo, compuso especialmente para el debut de Andy con La Dimensión Latina “El eco de un tambó”. Otros éxitos iniciales fueron "Blancas Azucenas", de Don Pedro Flores en la voz de Vladimir Lozano y "Pan de Piquito", entre otros.

Serían tres intensos años muy fructíferos tanto para el vocalista boricua como para la orquesta venezolana, pero Andy quería regresar a su tierra. La extrañaba. “La Dimensión Latina fue una experiencia más corta que la de El Gran Combo, pero fue igualmente muy importante para mí. Allí continuó mi crecimiento personal y profesional. Venezuela se convirtió en parte esencial de mí y lo agradezco al gordo Monges y al público venezolano”.

En plan solista

Cuando conversamos con él aquella primera vez de madrugada en una arepera de Caracas, ya Andy Montañez era un cantante independiente. Inclusive había estructurado su orquesta. Esa condición independiente e inclusive de finalización de contrato discográfico le permitió aceptar invitaciones del mismo Gran Combo, de la Dimensión, de las agrupaciones de sus hijos y del Combo del Ayer, donde estaba su gran amigo y compañero Pellín Rodríguez.

En ese camino independiente ha logrado éxitos como “Casi te envidio”, un verdadero suceso discográfico. También ha participado en largometrajes del cine venezolano y ha colaborado como solista o como corista de la Puerto Rico All Stars, de su amigo Boby Valentín, de Ismael Miranda, de Fania (aunque nunca quiso pertenecer a ese staff), Pablo Milanés, Roy Brown y Atabal, entre otros.

Este 2024 cumplió 82 años y se mantiene activo y muy jovial. Las adversidades le han tocado de cerca, como la pérdida de un hijo y más recientemente de su señora madre, pero Andy se mantiene muy afianzado en su público. Ni siquiera cuando surgieron diatribas políticas por sus posiciones de defensa de Cuba o de Venezuela cedió el cariño de sus seguidores, que no son pocos.

Los años 2006 y 2018 le vieron obtener sendos premios Grammy. También se llevó la ovación de su pueblo cuando fue homenajeado por el senado de su tierra natal, Puerto Rico, a la que ama y de la que no quiere desprenderse.

¿Retiro?

Andy Montañez no piensa todavía en un retiro efectivo, físico, de las tarimas. Sostiene que se retirará cuando papá Dios lo llame o cuando sus fuerzas se agoten. Ciertamente en breve dará inicio a una serie de conciertos en Puerto Rico denominados “Mi primer adiós”, para ir agradeciendo todo lo que el público le ha dado en cariño, respeto y seguimiento.

Cuando habla de esas situaciones piensa en uno de los temas que más le ha gustado cantar: "Las Hojas Blancas", de Roberto Angleró, pieza con la que se identifica desde que la grabó en 1973.

Sigue anclado a Puerto Rico a sus 82 años recién cumplidos, con 62 de carrera profesional en la que muchos de sus referentes son precisamente de Borinquen: Rafael Cortijo, Ismael Rivera, Daniel Santos, Tite Curet Alonso, Rafael Hernández y Don Pedro Flores, Papo Lucca, los pleneros de su tierra y mucho más. Después de Puerto Rico reitera su amor por Venezuela, su gente y su cultura.“Es mi segunda casa”.

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Con una visita al cementerio local para rendir homenaje a los difuntos de la Cofradía del Santísimo Sacramento, inició la jornada de celebración, que continuó con una procesión en los alrededores de la Plaza Bolívar municipal, tras la juramentación de los nuevos promeseros.

El presidente venezolano, Nicolás Maduro, envió un mensaje a la cofradía, mediante un audio difundido en su canal de la red de mensajería instantánea WhatsApp, donde recordó que la manifestación cultural fue declarada como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad, en el  2012.

“Precisamente, lo llevamos el reconocimiento de la Unesco como Patrimonio de la Humanidad en 2012. Los Diablos Danzantes de Venezuela que con su colorido, con su fuerza, con sus bailes, con sus ritmos, con sus trajes hermosos, con su energía, simbolizan la lucha del bien contra el mal. Nosotros, el pueblo, mestizo, diverso, de a pie, llevando la fuerza y las banderas del bien”, subrayó.

En ese sentido, el jefe de Estado precisó que a través de la Gran Misión Viva Venezuela, mi Patria Querida se fortalecen todas las tradiciones venezolanas, y agradeció a quienes practican esa manifestación cultural.

“Quiero agradecer a los bailadores, a los músicos, a los artesanos que fabrican máscaras, atuendos, todo mi reconocimiento a ustedes, queridos compatriotas. Con la Gran Misión Viva Venezuela vamos a seguir fortaleciendo y visibilizando nuestro patrimonio cultural y dándole la salvaguardia necesaria”, indicó.

La iglesia católica introdujo la tradición en el país suramericano en el año 1620, y se celebra desde entonces en los estados Miranda, Aragua, Carabobo, Guárico, Cojedes y La Guaira.

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El comunicado expresa que "con profunda tristeza anunciamos el fallecimiento de Miriam Margot Benacerraf Coriat", el cual confirma que el funeral de la cineasta será este miércoles en la quinta Beit Yossef, en San Bernardino.

Margot Benacerraf nació el 14 de mayo de 1926 en Caracas. Estudió Filosofía y Letras en la Universidad Central de Venezuela. Luego se formó en cinematografía en el Instituto de Altos Estudios Cinematográficos de París.

De acuerdo a los estudiosos, Benacerraf fue pionera en el cine venezolano. Fundó la Cinemateca Nacional de Venezuela y numerosos festivales, dedicando la mayor parte de su vida a la difusión del cine en el país y de la región.

En 1959, recibió el Premio de la Comisión Superior Técnica y el Premio de la Crítica Internacional (FIPRESCI) en el XII Festival de Cannes por su película "Araya" (1959). Ya había participado en la Croisette con su corto Reverón en 1953.

El ministro de Cultura venezolano, Ernesto Villegas Poljak,  al lamentar el suceso dijo que "Margot, [fue] arquetipo de la mujer cineasta venezolana, no solo cumplió con brillo su oficio, inmortalizado en los filmes  Reverón y Araya, merecedor este último del Premio Cannes en 1959".

Villegas Poljak resaltó que Benacerraf "además, consagró su vida a la formación de nuevas generaciones y a la preservación del patrimonio fílmico venezolano, siendo fundadora y emblema de nuestra Cinemateca".

Recordó, asimismo que el presidente venezolano, Nicolas Maduro, le confirió la Orden Francisco de Miranda en 2018.

Manifestó, en esa misma dirección, sus deseos de que los restos de  Margot y "amorosa de lo afirmativo venezolano, sean llevados al Panteón Nacional, tal como ocurrió con el maestro pintor de Macuto en 2016. ¿Lo merecen? Con creces. ¡Honor y gloria eterna!".

Niche

Si bien es cierto que como germen colectivo se reunieron en 1979 para dar pasos formales en la salsa, la agrupación asumió el nombre de Niche en 1982, hace ya 42 años.  Es mucha el agua que ha corrido en el panorama salsero colombiano y caribeño antes y después del nacimiento de la orquesta de la que tomó el timón Jairo Varela, nacido el 9 de diciembre de 1949 en Quibdó, capital del departamento del Chocó. Allí, a las riberas del río Atrato pasó su infancia y adolescencia hasta que a finales de los 70 su familia se trasladó a Bogotá. Fue en un garaje en la capital del país donde en 1979 se dieron los primeros pasos para la conformación del grupo, que en sus canciones tiene todo el sabor del Pacífico, el golpe sonoro de esa zona. Pero Jairo siguió su corazonada. Sabía que era Cali el destino de su trabajo, de lo que quería hacer y es en 1982 y en Cali cuando, con el nombre definitivo de Grupo Niche, que hace relación a su origen afro descendiente, la agrupación logra su proyección con el tema “Buenaventura y Caney”. La empatía de Niche con Cali, con Buenaventura, con la zona natal del Chocó determinaron ese apoyo que nunca cesó porque además de una propuesta novedosa y muy bailable, Jairo Valera se mostraba como un autor sólido y creativo. Casi todos los temas que estrenó Niche fueron de su autoría.
Para 1984 Ya Niche es una referencia continental y “Cali Pachanguero” era un himno, no solo de Cali, proyectada al 100%, sino de la salsa.
Para 1986 ya habían conquistado el Madison Square Garden de Nueva York y el ritmo y la alegría de sus canciones llegaba a Holanda, Japón, Alemania, España, entre otros países del mundo.
Tuvieron siempre claro que representaban una sonoridad, y a un país.
1987 es un año de grandeza para Jairo Varela, pues habiendo visto desintegrarse ante sus ojos su agrupación fue capaz de rearmarla apoyándose en sus convicciones y en tres grandes músicos que no lo abandonaron y lo respaldaron: Álvaro Cabarcas, César Monges y Tito Gómez.  Tres nacionalidades: colombiano, venezolano y puertorriqueño respectivamente, y parece que esa solidaria combinación  generó una energía cósmica: Para la historia queda la fenomenal producción “Tapando el hueco”, ya con el grupo en nueva etapa. Vendrán luego ciclos de felicidad y de infortunio, de cautiverio y de gran creación.
De Varela resaltaba su olfato y oído para descubrir una buena voz que le diera identidad al grupo. Para cantar con Niche podemos entonar: Buenaventura y Caney, Cali Pachanguero, Ana Milé, Nuestro Sueño, Mi Hijo y Yo, Cielo de Tambores, Una Aventura, Sin Sentimiento, Hagamos lo Que Diga el Corazón, Mi Pueblo Natal, A Prueba de Fuego y muchísimos más.

Cali Pachanguero
 

Jairo nunca dejó solo a “Niche”. La música y Colombia perdieron a Jairo Varela siendo todavía joven. Un infarto puso fin a su vida el 8 de agosto de 2012 en la ciudad que lo amaba tanto, Santiago de Cali. La familia, sobre todo la hija mayor de Jairo, Yanila, supieron acopiar los secretos del músico y la orquesta se mantiene en la palestra, con bien.
De la obra de este chocoano queda mucho por analizar y escribir. Él es un hito en la Salsa, no solo de su tierra natal sino de todo el Caribe y de Latinoamérica para el mundo.
La Salsa del Pacífico tiene mucho que ver con él y sus aportes.

Guayacán

También del departamento negro del Chocó es Alexis Lozano, quien hizo parte del grupo Niche como co fundador, y luego organizó esa excelente orquesta que es Guayacán, con una sonoridad fuera de las establecidas por la salsa convencional. Si bien en Niche se siente por la temática, en Guayacán se siente por la asimilación de ritmos y maneras propias del Cauca y el Chocó.
Alexis Lozano nació el 10 de julio de 1958 en Quibdó. Sus padres eran educadores y él creció con amor por el arte, el estudio y la música. Comenzó su formación musical en Quibdó y la continuó en Bogotá, ciudad donde conoció a su paisano Jairo Varela y entre ambos dieron alma al grupo Niche. Lozano estaría dos años con Niche y luego, por sus propias ideas musicales, optó por dar forma a su propia orquesta. Fue un proceso gradual que culminó con Guayacán Orquesta, toda una referencia en lo que es la Salsa de Colombia para el mundo y realmente una Declaración de Principios. No es casual que la llamen “La Orquesta Madera de Colombia”.
Te amo, te extraño, Cada día que pasa, Un amor a cuenta gotas, Oiga, mire, vea, Invierno en primavera, Como una hoguera, Mi muchachita, Un vestido bonito, Son cepillao con Minué, Fiesta, y Nostalgia africana son ejemplos de los éxitos de Guayacán, temas que pasarían a convertirse en clásicos y éxitos la salsa colombiana.

Oiga, mire, vea

Aunque Alexis Lozano en varias oportunidades ha declarado que se siente muy caleño porque en Cali desarrolló el grueso de su carrera, no se puede obviar la influencia de su tierra natal, ese mágico departamento donde el río Atrato surca desde el océano Pacífico para ir a reposar en el Atlántico, en el Caribe con todas las fusiones culturales que ello conlleva. Lozano ha adelantado su proyecto Guayacán Sinfónico en vivo elaborado junto a su eterno compañero musical, Nino Caicedo. De igual manera ha trabajado en la serie documental “Sonidos del Pacífico, mi música, mis raíces”, y lo centra en su tarea de mostrar los sonidos de río y mar y de las comunidades al interior de su departamento natal: Chocó.

 

Nemus del Pacífico 

Pero no se trata nada más de Varela y Lozano, aunque han sido los de más presencia en los medios. El antecedente del grupo “Saboreo” fue indicador de lo que se venía para la salsa desde el Chocó.
También de Quibdó, la capital chocoana es Alexis Murillo, quien dio origen a otra tremenda orquesta de alto vuelo: Los Nemus del Pacífico, que  ha dejado expresivos y ricos temas como Para la Luna, Lindas y bellas y Nadie sabe lo de adentro.
Alexis Murillo, surgido en el seno de una familia eminentemente musical es cantautor, arreglista y director de Los Nemus.
Nació el 16 de abril de 1950, cuarto entre 16 hermanos, y se formó en el universo de los cantos ancestrales de su pueblo. Cuando  decidió salir del Chocó para avanzar en la música y en sus proyectos no fue hacia Bogotá ni hacia Cali, como hicieran Varela y Lozano. Murillo viajó a Medellín donde visibilizó su proyecto y contó con el auspicio de Discos Fuentes.

Linda y bellas

Los Nemus fue fundada en 1987, y su nombre contiene el sugestivo significado de los guardianes que cuidan y preservan, en este caso el mundo mágico del Pacífico colombiano. Al año siguiente, en 1988 vio la luz su primera producción discográfica. Allí se evidenció que Alexis Murillo era un excelente sonero. El Son de Los Nemus puede ser llamado “Son Chocoano”, y es una suerte de consecuencia del intercambio con el Caribe, que se produce por el Río Atrato.

Epílogo

Lo anterior es apenas una aproximación, un abre bocas para lo que plantea el investigador y profesor Alejandro Ulloa: “En una época de fusiones e hibridaciones como la que vivimos, la probable fusión de la salsa con la música del Pacífico constituye una alternativa viable y creativa para darle a Cali en el Siglo XXI la posibilidad de gestar un género propio, inédito en la historia de la música del mundo, como ya lo hicieron en el Siglo XIX, Buenos Aires y Montevideo, Río de Janeiro, Santiago de Cuba, La Habana o Nueva Orleans. La Salsa Pacífico ya hace parte de la historia de la salsa, y no podemos ignorarla. Además de los ingredientes locales, conserva la esencia polirítmica y la síncopa en el lenguaje ancestral de los tambores. Esos rasgos provienen de un tronco común, del África profunda.
La Salsa Pacífico está llamada a intensificar ese paisaje sonoro, profundizar en los sincretismos culturales, mostrar las identidades diaspóricas, jugar con las oralidades locales y recrear críticamente un espacio en el tiempo convulsionado y contradictorio en el que vivimos. Y no puede dormirse en los laureles”.

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Dante procedía de familia noble, lo que no le impidió participar activamente en las luchas políticas de su tiempo; mientras puso su pluma al servicio del arte, la política y la filosofía, legando a la posteridad una vida fascinante 

Una vida fascinante

1) Siendo un adolescente de 12 años, fue obligado a comprometerse y a casarse, ya que era costumbre en su época pactar matrimonios a edades tempranas.  El nombre de su esposa era Gemma y con ella tuvo cuatro hijos. No obstante el gran amor de su vida fue Beatriz Portinari, a la que conoció con 9 años, y de la que pudo haberse enamorado a primera vista. Esta última fue su gran inspiración para grandes obras. 

2) Sentía notable admiración por el poeta romano Virgilio, autor de la Eneida, las Bucólicas y las Geórgicas. Por tal motivo lo convirtió en figura esencial dentro su obra cumbre la Divina Comedia, convirtiéndose en el guía del protagonista al recorrer los pasajes del Infierno y el Purgatorio.  

3) Fue un activo pensador de ideas políticas avanzadas para su tiempo. Incluso, por estas, fue desterrado de su ciudad natal, Florencia. En concreto, defendía la separación de la Iglesia y del Estado, así como la necesidad de que existiera un Sacro Imperio Romano.

4) Muy pocos conocen que durante algún tiempo, el célebre escritor se dedicó a vender sus propios libros, en establecimientos conocidos como boticas. Su primera obra conocida fue Vita nuova (Vida nueva), que fue escrita, poco tiempo después de que muriera su esposa, entre 1292 y 1293.

5) Desterrado, murió en la ciudad de Rávena, donde sus restos descansan en la Iglesia de San Francisco de Asís. Sin embargo, los florentinos siempre lamentaron esa situación y ya en el siglo XIX decidieron construirle una tumba para él, que permanece vacía, en la Basílica de Santa Cruz. En esta puede leerse “Honrad al más alto poeta”.

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El nacido en la ciudad francesa de Besanzón el 26 de febrero de 1802, además de poeta lírico, novelista y dramaturgo, fue un político e intelectual influyente en la Francia del Siglo XIX.

Más allá de su extensa obra literaria,  Victor Marie Hugo ofreció discursos políticos en la Cámara de los Pares, las Asambleas francesas sobre temas tan revolucionarios como el derecho de la mujer, la educación y otros controvertidos como la pena de muerte.

Fue hermano de los también escritores Eugene Hugo y Abel Hugo. Respecto a su literatura, el reconocido literato abordó varios géneros y disímiles temáticas cuya vigencia y valor histórico es incalculable.

So obra Los Miserables, por ejemplo, ha sido llevada al cine en varias ocasiones, las más importantes adaptaciones, la de 1998 (director Bille August) y la de 2012 (director Tom Hooper) son dos de las más reconocidas, reuniendo a actores de la talla de Liam Neeson, Geoffrey Rush, Uma Thurman, Hugh Jackman y Anne Hathaway, entre otros.

Le proponemos acercarnos a la obra del genio francés a través de seis de sus más importantes creaciones.

Hernani (1830)

Hernani fue una obra dramática de cinco actos escrita por Victor Hugo, la cual se estrenó en Théâtre Français (conocido como La Comedia Francesa) en febrero de 1830. Enmarcada en el romanticismo francés, el texto narra la historia del bandido Hernani y de su amada Doña Sol, quien estaba comprometida con un duque aragonés y, a su vez, por el monarca Carlos I de España.

Nuestra señora de París (1831)

Este texto es, junto a Los Miserables, uno de los más reconocidos dentro de la vasta obra del literato francés y, ha sido igualmente llevada al cine en varias ocasiones. Narra la desgracia de la gitana Esmeralda, quien fue acusada injustamente a la pena capital por la muerte de su marido y recibió el apoyo de Quasimodo, quien era el campanero de la catedral de Nuestra Señora de París.

Lucrecia Borgia (1833)

Otra obra teatral creada por Victor Hugo la cual continúa siendo interpretada en nuestros días y ha sido llevada a libretos de ópera. Narra la historia de Lucrecia Borgia, una mujer adúltera, incestuosa que quiere ganarse el cariño de Gennaro, el hijo que tuvo con su hermano.

Luego de ser ofendida por los amigos de su hijo y acusada de adulterio por su marido, Lucrecia construye su venganza.

Los Miserables (1862)

Está considerada como una de las obras más trascendentales del siglo XIX y una de las más reconocidas de la historia de la literatura universal. Una historia que tiene un entramado complejo que toca temáticas como la política, la reivindicación, la ética, la religión, entre otras.

Narra la historia de Jean Valjean quien cumplió condena por robar pan para alimentar a su familia y pasó casi dos décadas tras las rejas. Al salir de la penitenciaria la sociedad margina a Valjean quien reincidió en el robo hasta que, con ayuda de un sacerdote, logra reivindicarse.

Historia de un crimen (1877)

Este texto relata los días posteriores al autogolpe de Estado propinado por el entonces presidente de la República Francesa, Luis Napoleón Bonaparte (Napoleón III), quien buscaba perpetuarse en el poder. Historia de un crimen aborda las acciones del mando tiránico y los intentos de resistencia ciudadana y de algunos representantes de la Cámara.

Torquemada (1882)

Torquemada es un drama escrito en cuatro actos con partes en verso. El drama se desarrolla en Sevilla donde el rey, enamorado de doña Rosa, tiene dos motivos para acabar con don Sancho: la política y el amor. Esta pugna político-amorosa es transversalizada por la figura de Torquemada, un fraile que reanimó en España la obra de la inquisición.

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José Martí, ilustre revolucionario preciado como el Héroe Nacional de Cuba, desde edades tempranas entabló sus inquietudes sociales, patrióticas e independentistas, que provocaron que a los 16 años de edad fuera sentenciado a seis años de presidio y trabajos forzados.

José Martí, desde el período de su juventud, abogó por combatir en defensa de su tierra natal, no solo lo reflejó en discursos, cartas y materiales periodísticos, sino que trabajó para lograr la reorganización de la guerra por la independencia de Cuba.

A continuación, se expone un listado con cinco obras de José Martí que usted debe leer para conocer más sobre este escritor latinoamericano.

1-"El presidio político en Cuba".

Siendo aún joven, Martí fue desterrado a España. A su llegada a Madrid publica su ensayo, el cual constituye una fundamentada denuncia de las atrocidades del régimen colonial y relata magistralmente la experiencia experimentada en las canteras de San Lázaro durante el período en que él estuvo preso, que fue forzado a trabajar en condiciones infrahumanas.

Esta obra se convirtió en el primer manifiesto autobiográfico de los valores y condiciones de Martí. El eje rector de esta obra es el amor, que comprende además al régimen español. Su propósito es congregar al lector al cambio y transforma los elementos de opresión en instrumentos de liberación.

La obra pretendía dos propósitos, informar y conmover al pueblo español de lo que sucede en Cuba, de la crueldad de una institución española y movilizar para que no fuera permitida la crueldad.

2-“Abdala”

Obra que escribió cuando tenía 15 años y se publicó el 23 de enero de 1869 en el primer y único número del periódico La Patria Libre que él creara, y que fuera impreso en la imprenta y librería “El Iris” en Obispo 20 y 22, en La Habana.

Constituye un anticipado reflejo de su vida, ya que con el paso del tiempo él se enfrentó a las contradicciones que surgieron en el seno familiar, por su decisión de darle prioridad absoluta a todo lo referido al desarrollo de la lucha por la independencia de su tierra natal.

3-“Epistolario Martiano”

José Martí escribe en los últimos años de su vida más de 450 cartas. Exclusivamente en los cinco meses de 1895 redacta 156 cartas, más de una diaria.

El epistolario es amplio: cartas con contenido político (Máximo Gómez, Serafín Sánchez, Juan Gualberto Gómez, Gonzalo de Quesada), cartas a íntimos amigos (Manuel Mercado, Fermín Valdés Domínguez), las que escribió a su madre o la correspondencia con destacados intelectuales y periodistas (José María Vargas Vila y Joseph Pulitzer).

No obstante, subrayar las Cartas a María Mantilla, la niña querida que dejó en Nueva York para ir a México, en viaje preparatorio de su partida final a Cuba. Martí encabezó las cartas a María llamándola: «María mía», «Maricusa mía», «Mi niña querida».

En este libro Martí instruye, aconseja, advierte y recomienda a lo largo de estas breves misivas. En ellas combina lo ético y lo estético con una finalidad didáctica y formativa, pero siempre desde la ternura.

4 -“Versos sencillos”

Se considera la obra poética de madurez, pues se constituyen en su testamento poético. No solo se halla el arte más depurado de Martí, sino las conclusiones últimas a que llegó su pensamiento.

Los Versos Sencillos se publicaron en octubre de 1891 en Nueva York y es el resultado de una actividad tangencial. Fue escrito en ocasión de la llamada Conferencia Panamericana de 1889 en que se reunieron, como dice él, bajo el águila temible de Washington nuestros pueblos americanos, y fue fruto de la angustia, como refiere Martí en el prólogo, de saber que detrás de los propósitos de la Conferencia estaba la proposición, hecha por el ministro Palmer a España de comprar a Cuba, de que da cuenta en carta a su amigo Enrique Estrázulas y a la que, por fortuna, España no accedió.

La alusión a dicho evento en el prólogo y a las ambiciones de Estados Unidos por aquella época es esencial en el poemario, aunque no se repita a lo largo de él, pues el poeta convierte todo aquello que tiene que ver con el texto y no lo es en contexto, y viceversa, y crea un peculiar engranaje.

Siendo el 13 de diciembre de 1890, en una noche de poesía y amistad, leyó sus versos en su casa, y de dicha velada nació la idea de publicarlos, superando la oposición de Martí de hacer de la poesía un objeto de mercado.

5 –“Los pinos nuevos y el hombre nuevo”

La frase surgió en el Liceo de Tampa donde José Martí acudió el 27 de noviembre de 1891 a rendir tributo a los ocho estudiantes de Medicina asesinados por el colonialismo español.

“En lo alto de las nubes desgarradas, un pino desafiando la tempestad, erguía entero su copa”, y agregó: “Rompió de pronto el sol sobre un claro del bosque, y allí al centelleo de la luz súbita, vi por sobre la yerba amarillenta erguirse, en torno al tronco negro de los pinos caídos, los racimos gozosos de los pinos nuevos: ¡Eso somos nosotros: pinos nuevos!”.

La historia toda de Cuba está llena de ejemplos de cómo la juventud se ha erguido como continuadora de las luchas de su pueblo para demostrar que nunca las causas justas se pueden dar por perdidas, por adversas que puedan resultar las circunstancias.

Cuando pronunció Los Pinos Nuevos ante compatriotas de diversas edades, él, con sus treinta y ocho años y una madurez, como quien dice, de siempre, no era por cierto un jovencito: en la época, a su edad se era un adulto respetable. Al decir "Eso somos nosotros: pinos nuevos!", hablaba en nombre de todos los que abrazaran o habrán abrazado ya un proyecto renovador, que se erguía por entre las cenizas de las derrotas, las traiciones, la desunión y otras calamidades sufridas por la Patria.